Warum üben viele Musikerinnen und Musiker weiter, obwohl sie frustriert sind — und hören trotzdem nicht auf? Und warum fangen manche eine Woche vor dem Konzert erst richtig an, obwohl sie es besser wissen? Die Antwort liegt nicht im Übeplan, sondern in der Psychologie: in inneren Zuständen, die darüber entscheiden, ob wir lernen — oder uns nur quälen.

Dr. Teresa Wenhart ist Psychologin und Cellistin. Sie hat die Schematherapie auf die Musikwelt übertragen und daraus das Konzept des Inneren Orchesters entwickelt: Verschiedene innere Persönlichkeitsanteile — der fordernde innere Kritiker, kindliche Emotionen im Hintergrund, Beschützer wie Prokrastination oder exzessives Üben — wirken wie Instrumente, die gleichzeitig spielen. Das Problem: Wer sie nicht kennt, wird von ihnen dirigiert, statt selbst den Taktstock in der Hand zu halten.

Im Podcast-Gespräch erklärt Teresa, wie negative Emotionen das Lernen nachweislich blockieren, warum das Dankbarkeitstagebuch kein Wellness-Trend, sondern eine wissenschaftlich belegte Methode ist — und weshalb das Benennen des inneren Kritikers ihm tatsächlich die Macht nimmt.

Mehr zur Arbeit von Teresa:

• Studie: Music students‘ psychological profiles: unveiling three coping clusters using schema mode inventory

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Entweder-Oder-Fragen

Ich möchte direkt starten mit ein paar Entweder-oder-Fragen. Du hast einen Joker, und bei allen anderen bin ich gespannt, wie du dich entscheidest. München oder Zürich?

München.

Üben mit Plan oder Üben nach Gefühl?

Nach Gefühl.

Abwechslung oder Routine?

Abwechslung.

Späteinsteigerin sein – eher eine Bürde oder ein heimlicher Vorteil?

Das ist eine heikle Frage. Ich würde momentan sagen: Vorteil. Man hat als Erwachsene eine andere Distanz zum Lernprozess, mehr Lebenserfahrung und kann Inspiration aus anderen Lebensbereichen einbringen. Diese Selbstreflexion hilft beim Üben enorm. Natürlich hat es auch Nachteile – im Musikbusiness ist man ab einem gewissen Alter schlicht aus der Tradition heraus außen vor.

Maestra Perfetto oder Criticus Maximus?

Da nehme ich den Joker – das ist ziemlich verwandt.

Darauf werden wir später nochmal genauer eingehen. Fehler oder Funktion – also: It’s a bug or it’s a feature?

Feature.

Und die letzte: Emotion oder Kognition?

In welchem Kontext? Man braucht beides, wie bei Abwechslung und Routine. Die goldene Mitte macht’s bei beiden.

Warum sind Emotionen beim Musizieren so wichtig?

Unser Thema ist der Umgang mit Gefühlen beim Musizieren. Ich bin in der Vorbereitung auf ein Zitat des Filmemachers Alexander Kluge gestoßen, der gerade kürzlich verstorben ist. „Emotionen und Gefühle sind die wahren Einwohner unserer Lebensläufe.“ Würdest du das unterschreiben?

Teresa Wenhart: „Ja, auf jeden Fall. Aus psychologischer Sicht sind Gefühle lebenswichtig – sie signalisieren immer, was uns wichtig ist. Egal ob positive Emotionen oder negative wie Trauer, Angst oder Resignation: Sie zeigen an, dass etwas für uns Bedeutung hat. In der Musik ist das besonders offensichtlich, weil es ja genau darum geht, beim Publikum Emotionen zu erzeugen. Das ist die Währung, mit der man spielt. Und ich glaube, genau das ist der Grund, warum wir überhaupt Kunst, Musik und Literatur haben – weil es eben nicht nur um Zahlen und Fakten geht, sondern um das Fühlen selbst.“

Warum würden dann viele Menschen trotzdem eher die Kognition wählen, wenn sie gefragt werden?

Teresa Wenhart: „Weil wir es schlicht nicht lernen. In der Schule wird Mathematik, Deutsch, Geschichte unterrichtet – aber keine Gefühle, keine Empathie. Außer in Dänemark, die haben das tatsächlich schon seit Jahren im Unterricht. Bei uns hängt der emotionale Umgang stark davon ab, in welchem Umfeld man aufgewachsen ist: Elternhaus, Bezugspersonen, Lehrpersonen. Wer als Kind nicht gespiegelt bekommen hat, was er fühlt, dem fällt es später schwer, überhaupt zu benennen, was in ihm vorgeht. Und das ist der erste Schritt – bevor man eine Lösung für ein Bedürfnis finden kann, muss man überhaupt erst wissen, was das Problem ist.“

Was macht ständige Selbstkritik mit Musikerinnen und Musikern – und was hilft?

Musikerinnen und Musiker beschäftigen sich täglich mit ihren Unzulänglichkeiten auf dem Instrument. Das hat fast etwas von Selbstkasteiung. Was macht das mit uns?

Teresa Wenhart: „Das ist komplex. Zunächst gibt es ganz unterschiedliche Motive, warum man übt – intrinsisch, weil es Spaß macht, oder extrinsisch, weil Eltern oder Lehrpersonen einen dazu angehalten haben. Sobald das Üben zum Beruf wird, kommt noch das Müssen dazu. Und diese Selbstkasteiung ist sehr unterschiedlich ausgeprägt – sie hängt stark davon ab, wie man in der Musikausbildung sozialisiert wurde. Problematisch wird es, wenn aus dem „Ich will nur noch“ ein „Ich muss“ wird. Denn unter Druck lernt man nicht gut. Am besten lernt man, wenn man neugierig und im Flow ist – wie ein Kind.“

Und wann schlägt dieser Antrieb ins Negative um?

Teresa Wenhart: „Wenn man anfängt, sich innerlich zu bestrafen: <Ich habe wieder nicht genug geübt, Kein Wunder, dass aus dir nichts wird. Das sind die inneren Kritiker.> Und dann kommen die Bewältigungsstrategien – in der Schematherapie nennen wir sie Beschützer. Entweder man überkompensiert und übt exzessiv, oder man prokrastiniert: ist am Handy, fängt erst eine Woche vor dem Konzert an. Beides ist ein Schutzmechanismus – man vermeidet, beim Üben festzustellen, dass man die eigenen Ansprüche nicht erfüllen kann.“

Wie baut man positive Emotionen beim Üben auf? Wissenschaftliche Ansätze

Weiß man wissenschaftlich, was negative Emotionen beim Üben konkret mit uns machen?

Teresa Wenhart: „Es ist gut belegt, dass man bei negativen Emotionen schlechter lernt. Der Grundsatz im Coaching ist: positive Emotionen und Ressourcen stärken, weil das Energie freisetzt. Konkret: Wenn man merkt, dass man beim Üben nur noch frustriert ist, sollte man lieber aufhören. Wer im Flow ist und gut übt, sollte möglichst auch in diesem positiven Zustand aufhören. Diese Verbindung Üben war schön im Gedächtnis zu verankern, ist viel wertvoller als stur weiterzumachen.“

Mehr zu diesem Thema findest du auch auf dem Blog von Teresa:

• Die Kunst des Augenblicks – Jazz-Improvisation und Flow
• Fünf wesentliche Gehirnnetzwerke für musikalisiche Kreativität und wie man sie stärkt

Wie kann man dieses Bewusstsein für positive Momente konkret entwickeln?

Teresa Wenhart: „Ein wissenschaftlich belegter Ansatz ist das Dankbarkeitstagebuch: einmal täglich oder auch nur zwei-, dreimal pro Woche zwei bis drei Dinge aufschreiben, die positiv waren – nicht nur Musikbezogenes, auch ganz Alltägliches. Ich formuliere das bewusst so: Dinge, für die man dankbar sein könnte, wenn man wollte. Das senkt die Hemmschwelle, wenn man sich gerade sehr schwer tut mit Dankbarkeit und positiven Gefühlen. Dazu empfehle ich ein Übe-Tagebuch, das nach jedem Durchlauf oder Konzert zuerst drei positive Dinge festhält und dann maximal zwei Dinge, die man verbessern möchte – nicht: was schlecht war. Diese Wortwahl ist entscheidend.“

Warum ist das so wichtig?

Teresa Wenhart „Weil wir als Menschen dazu neigen, negative Dinge etwa siebenmal stärker abzuspeichern als positive. Das hat evolutionäre Gründe – wir mussten wissen, wo der Säbelzahntiger ist. In Beziehungen braucht man sechs oder sieben positive Erfahrungen, um eine negative auszugleichen. Beim Üben ist es ähnlich: Wenn man die positiven Dinge nicht aktiv benennt, werden sie einfach überschrieben.“

Was ist das Innere Orchester? Schematherapie für Musiker erklärt

Kannst du erklären, was du mit dem Bild des Inneren Orchesters meinst – und wie das mit der Schematherapie zusammenhängt?

Teresa Wenhart: „Die Schematherapie ist eine relativ junge Therapieform, die zu Beginn des 21. Jahrhunderts entwickelt wurde. Sie verbindet Verhaltenstherapie, Tiefenpsychologie und gestaltpsychologische Ansätze. Ich habe das Konzept auf die Musikwelt übertragen, weil es so gut passt. Die Grundidee ist: Wir alle haben verschiedene innere Zustände – Modi -, die durch Äußere oder innere Auslöser aktiviert werden.

Es gibt drei Arten von Modi: Erstens die innere Kritikerin oder der innere Kritiker – der fordernde Typ, der sagt „Du musst mehr üben“, oder der strafende Typ, der hinterher sagt „Du warst wieder nicht gut genug“. Zweitens die kindlichen Emotionen auf der hinteren Bühne: Trauer, Einsamkeit, Wertlosigkeit, Scham – Gefühle, die viele gar nicht bewusst wahrnehmen. Und drittens die Beschützer auf der vorderen Bühne: Prokrastination, exzessives Üben, Selbstabwertung – alles Strategien, die uns schützen sollen, aber oft mehr schaden als nützen.

Ich habe das Inneres Orchester genannt, weil man sich diese Zustände wie verschiedene Instrumente vorstellen kann. Wenn man den inneren Kritiker als Maestra Perfetto oder Criticus Maximus personifiziert, wird er greifbarer – und alles, was wir benennen können, hat weniger Macht über uns. Das wissen wir schon aus Harry Potter. Der Name des Bösen Lord Voldemord wird lange von niemanden ausgesprochen, doch das Aussprechen nimmt ihm die Macht. Ausserdem ist ein Modus nur ein Anteil der Persönlichkeit. Man merkt durch die Personifizierung: Das ist ein Teil von mir – aber nicht ich als ganze Person.“

Und was ist die Aufgabe in diesem Bild?

Teresa Wenhart: „Die eigene Dirigentin oder der eigene Dirigent zu werden – der sogenannte fitte Erwachsene in der Schematherapie. Das ist unsere reflektierte Version, die Anteile kennt, sie wahrnehmen kann und entscheiden kann, wie laut sie gerade sein dürfen. Das Ziel ist nicht, Instrumente zum Schweigen zu bringen – alle haben eine Funktion. Der Kritiker treibt uns zu Wichtigem an. Die Beschützer haben uns früher durch schwierige Situationen gebracht. Die Aufgabe ist, sie zu dirigieren, statt von ihnen dirigiert zu werden.“

Ist Späteinsteigerin sein ein Nachteil? Sozialer Vergleich unter Musikerinnen und Musikern

Du hast gesagt, Späteinsteigerin zu sein ist für dich eher ein Vorteil. Trotzdem kenne ich das Gefühl, sich ständig mit Gleichaltrigen zu vergleichen, die schon viel länger spielen. Wie gehst du damit um?

Teresa Wenhart: „Ich kenne keinen Musiker, der das nicht kennt. Man schaut auf Instagram und sieht Siebenjährige, die scheinbar Unmögliches spielen – teilweise KI-generiert. Das bringt absolut nichts. Es wird immer jemanden geben, der irgendetwas früher oder besser kann. Aber sagt das etwas über Kompetenz aus? In den meisten Fällen nein. Und es macht schon gar nicht die ganze Künstlerpersönlichkeit aus. Deswegen war mir beim Dankbarkeitstagebuch wichtig: nicht nur Musikalisches festhalten. Wer bin ich als ganze Person? Was interessiert mich noch? Was bringe ich einzigartig mit auf die Bühne?

Der Vergleich mit anderen ist natürlich umso schwieriger, wenn das Umfeld selbst diesen Druck erzeugt. Ich kenne Leute, die im Erwachsenenalter an Musikhochschulen mit unbewussten Vorurteilen konfrontiert wurden. Und wir wissen aus der psychologischen Forschung, dass die Überzeugung der Lehrperson messbar beeinflusst, wie Schülerinnen und Schüler abschneiden. Wenn Lehrern gesagt wird, zwei verschiedene Schüler haben unterschiedliches Potential obwohl sie gleich gut sind, entwickeln sie sich unterschiedlich: der Schüler oder die Schülerin mit dem angeblich besseren Potential wird dann tatsächlich besser als der oder die andere, weil der Lehrer sie anders behandelt und mehr an sie glaubt.“[TW3] 

Gibt es die beste Übestrategie – oder ist Üben immer individuell?

Was wäre ein Tipp, den du dir selbst als Studentin gegeben hättest – mit dem Wissen von heute?

Teresa Wenhart: „Ich glaube ehrlich gesagt nicht an den einen Tipp. Üben ist etwas zutiefst Individuelles. Was mir momentan hilft: vergleichendes Üben. Ich stelle mir vor, wie eine Bewegung klingt oder sich anfühlen soll – und vergleiche das dann mit dem, was ich tatsächlich gespielt habe. In verschiedenen Dimensionen: zeitlich, körperlich, klanglich. Das macht aus dem vagen Gefühl das war irgendwie schlecht konkrete Beobachtungen. Man stellt Kontraste her, statt zu werten.

Aber das gilt für jetzt. In acht Wochen sage ich vielleicht etwas anderes.. Und das ist der Punkt: Üben verändert sich. Mit Lebensphasen, mit dem Körper, mit dem Kopf. Sich selbst zu erlauben, nicht jeden Tag gleich zu funktionieren – das ist vielleicht der wichtigste Gedanke. Und wenn es mal eine Woche bergab geht: Das ist aus der motorischen Lernforschung bekannt. Der Körper reorganisiert sich. Danach geht es oft steil bergauf.“

Dein Doktorvater Eckart Altenmüller war auch schon Gast im Podcast. Von ihm stammt der schöne Satz: Üben wird durch Üben gelernt. Passt das zu dem, was du beschreibst?

Teresa Wenhart: „Ja, total. Es gibt keine universelle Methode. Üben ist ein Prozess, der sich entwickeln darf – und soll.“

Was übt Teresa Wenhart gerade – und warum ist Nein-Sagen eine Lernaufgabe?

Was lernst oder übst du gerade, was du noch nicht so gut kannst?

Teresa Wenhart: „Musikalisch übe ich gerade ein Solowerk von Giovanni Sollima und ein Cellokonzert von Boccherini. Aber abseits davon lerne ich Französisch – mit einer App. Ich hatte Französisch nicht in der Schule, nur als Wahlkurs an der Un. Ich kann zwar ziemlich viel verstehen, aber sprechen? Eher nicht. Und ich übe Nein sagen. Das kann ich nicht besonders gut. Es hat viel mit Schema-Modi zu tun: Wer Nein sagt, riskiert den Unmut anderer. Das ist etwas, woran viele arbeiten können.“

In Deutschland sind jährlich 17,8 Millionen Menschen von einer psychischen Erkrankung betroffen¹. Diese Zahl ist so unvorstellbar groß, dass sich ein Vergleich mit einem Bundesland lohnt: Denn so viele Menschen wohnen aktuell in Nordrhein-Westfalen. Leider gibt es keine Statistik darüber, wie viele Musiker*innen hier einbegriffen sind. Jedoch fragte im Jahr 2019 die schwedische Record Union ihre Nutzer*innen wie es um ihre mentale Gesundheit steht. Dabei gaben 73% der Befragten an, bereits negative Gefühle wie Angst oder Stress im Bezug auf Ihre Musik erfahren zu haben. Und lediglich 1 von 10 Befragten kann hierüber mit seinen Bandkolleg*innen sprechen².

Übungen zur Stärkung der mentalen Gesundheit als Musiker:in

Diese Tipps stammen aus dem Gespräch mit Barbara Barth:

Barbara Barth

Jazz-Sängerin und studierte Pyschologin.

Sie ist Dozentin an der Hochschule für Musik Saar und der Folkwang Universität der Künste in Essen, an der Sie unter anderem ein Resilienztraining für Studierende anbietet.

Zum Interview mit Barbara Barth

Als studierte Psychologin vermittelt Barbara Barth in ihrem Resilienztraining für Musiker*innen Studierenden Strategien und Techniken, wie sie mental gut aufgestellt in das Berufsmusiker*innen-Leben starten. Im Interview mit ihr hat sie Teile ihrer Methoden dazu verraten:

1. Bewusstsein schaffen (Welche Ressourcen und Strategien im Umgang mit negativen Gefühlen habe ich bereits?)
2. Entspannungs- & Atemübungen (meistens wirkt sich Stress ja auch körperlich aus)
3. Pausen machen
4. Sport treiben & gute Ernährung
5. Welche Glaubenssätze (und Annahmen) über mich und andere stecken in meinem Verhalten?

food for thoughts – Empfehlungen

Diese Tipps stammen aus dem Gespräch mit Peter Laib:

Peter Laib

Tubist unter anderem bei Moop Mama & Ernst Hutter und den Egerländer Musikanten.

Neben seiner musikalischen Tätigkeit hat er gerade seinen Masterstudium in Mentalcoaching an der Universität Salzburg abgeschlossen.

Zum Interview mit Peter Laib

In seiner Masterarbeit zum Thema Mentalcoaching hat sich Peter Laib mit den Möglichkeiten von sogenannten Rollenspielen beschäftigt. Das bedeutet: Wie verändert es meinen Gemütszustand, wenn ich mich in eine bestimmte Situation hineinversetze und versuche, dieses Gefühl wieder zu erleben. Diese „Theater“ hat sich Peter Laib als Motivationsmöglichkeit angeschaut, um besser mit dem Üben anfangen zu können.

Sein Tipp um generell besser auf negative Stimmungen zu reagieren sieht so aus:

„Man schnappt sich einen Song, mit dem man positiv verbunden ist. Bei Peter wäre das Stevie Wonder „You are the sunshine of my life“.

Man zählt während des Liedes auf, entweder laut oder in Gedanken, wofür man gerade dankbar ist. Sowohl im beruflichen, als auch im privaten Kontext.

• Ich bin happy, dass ich bei den Egerländern spiele.
• Ich bin unglaublich glücklich, dass ich mit einer Band wie Moop Mama auf so großen Festivals spielen kann.
• Ich bin dankbar, dass ich Musiker bin.
• Ich freue mich, dass ich so eine tolle Partnerin habe.

So kann man es schaffen, innerhalb von kurzer Zeit, negative Gedanken auszublenden und eine sogenannte positive Affektlage herzustellen.

Jeder kennt es ja: Wenn du schlecht gelaunt bist, fällt alles viel schwerer. Und seitdem ich diese Übung entdeckt habe, mache ich sie auch selbst bevor ich anfange zu üben.“

food for thoughts – Empfehlungen

Diese Tipps stammen aus dem Gespräch mit Daniel Scholz

Daniel Sebastian Scholz

Daniel Sebastian Scholz ist seit dem Wintersemester 2022/23 Professor für Musizierendengesundheit an der Musikhochschule in Lübeck. Die Hochschule widmet sich, erstmals in ganz Deutschland, auch ganz dezidiert den mentalen Herausforderungen als Musiker:in

Zum Interview mit Daniel Sebastian Scholz

Tipps zum Umgang mit Lampenfieber als Musiker:in

Atmen im 3/4 Takt

„Also könnten Sie zum Beispiel Lippenbremse machen oder Atmen im 3/4 Takt.

Es geht dann so, dass Sie einen 3/4 Takt einatmen und dann zwei 3/4 Takte lang durch den Mund aus. Dann machen Sie einen 3/4 Takt Pause und fangen dann wieder von vorne an.

Machen Sie so viele Zyklen, bis Sie merken, das es einen Effekt auf Sie hat. Ganz wichtig ist, dass Sie das in Ihre Übelroutinen einbauen, damit Sie darauf ganz automatisch zugreifen können und nicht in einer Aufregungssituation das alles über den Haufen werfen.“

Mental Health mit Dipl. Psych. Nathalie Mong

Die Expertin

Die Expertin für die erste Sprechstunde zum Thema Mentale Gesundheit („Mental Health“) ist Nathalie Mong.

Rock- und Popmusik spielte im Leben von Nathalie schon immer eine bedeutende Rolle. In ihrer Jugend war sie Sängerin in Popbands. Beeinflusst von dem, was MTV zu der Zeit zu bieten hatte. Auch ihre Praktika beim Radiosender Fritz in Potsdam-Babelsberg brachten sie stärker mit der Welt der Musik in Kontakt. Bis heute singt sie leidenschaftlich gern und arbeitet an ihrer Stimme.

Nathalies zweites großes Interesse ist die Psychologie. Nach ihrem Diplomstudium in diesem Fach und einer Ausbildung zur Psychotherapeutin wollte sie diese beiden für sie wichtigen Felder zusammenbringen. Bei ihrer Suche nach neuen Ansätzen hierzu stieß sie auf die Musikermedizin, die sich mit speziellen körperlichen und psychischen Erkrankungen dieser Berufsgruppe befasst und bildete sich darin weiter.

Die Forschung auf diesem Gebiet interessiert sie ebenfalls sehr. Als Autorin für Fachzeitschriften setzt sie sich mit den wissenschaftlichen Erkenntnissen aktiv auseinander. Bis 2020 bot Nathalie eine Spezialsprechstunde für Berufsmusiker*innen am Psychotherapeutischen Gesundheitszentrum in München an, wo sie parallel als stellvertretende Leitung tätig war.

Aktuell bietet Nathalie private Psychotherapie und Coaching speziell für Rock-/Pop-Musiker*innen an und gibt Workshops zum Thema mentale Gesundheit. 

Mehr zu Nathalie auf Instagram: musicandsoul_nathalie

Die Sprechstunde

Das Thema mentale Gesundheit ist in der Musik-Branche  aktuell sehr präsent. Wie kommt es, dass gerade (selbstständige) Musiker*innen so oft mit psychischen Problemen zu tun haben?

Es gibt eine Kombination von Risikofaktoren, die speziell in der Musikbranche auftreten. Diese führen nicht zwangsläufig zu Beschwerden, da jeder Mensch anders reagiert. Sie kann aber, ohne das Bewusstsein dafür und geeignete Coping Strategien im Umgang damit, die Wahrscheinlichkeit von psychischen Problemen erhöhen.

Zu diesen Faktoren gehören u.a.:

• extremes Arbeitspensum und Arbeitszeiten

• unregelmäßige Schlafenszeiten oder zu wenig Schlaf,

• schlechte Ernährung und andere Folgen von vielem (low Budget) Reisen

• hoher Druck auf den Punkt zu performen

• mangelnde finanzielle Sicherheit- und Planbarkeit

• niedrige Gagen, leichte Verfügbarkeit und hohe Akzeptanz von Alkohol sowie Drogen
• in der Regel hohe Identifikation mit der eigenen Arbeit

• Erwartung der ständigen Verfügbarkeit

• weniger Grenzen zwischen Privatem und Arbeit, evtl. komplett gleicher Freundeskreis

• wenig Verständnis und Unterstützung von Menschen außerhalb der Branche 

Selbstwirksamkeit und Resilienz sind uns als Stichworte spätestens seit der Corona-Pandemie sehr vertraut. Gibt es hier spezielle Strategien und Techniken für Musiker*innen, die auch der Tatsache Rechnung tragen, dass musikalische Resultate meist langfristige Prozesse sind?

Ich kenne ehrlich gesagt, zu den beiden Bereichen keine Strategien, die nur für Musiker*innen anwendbar wären. Eine hohe Selbswirksamkeitserwartung (=Die subjektive Gewissheit, neue oder schwierige Anforderungen souverän bewältigen zu können) ist u.a. ein wichtiger Bestandteil von Resilienz (psychische Widerstandsfähigkeit einer Person).

Zur Verbesserung der Selbstwirksamkeit, ist es wichtig, sich gut zu kennen, damit man sich (Übungs-) Ziele setzt, die zwar eine Herausforderung, aber keine Überforderung sind. Umgib dich mit unterstützenden Menschen, die an dich glauben. Es hilft auch, sich Mentor*innen zu suchen, die schon das erreicht haben, was du möchtest (oder lies Bücher von ihnen/höre Podcasts). Positive Modelle, in Bezug auf sein Ziel im Leben zu haben, hilft.  

Für den Bereich Resilienz finde ich persönlich wichtig, sich Humor und Optimismus zu erhalten. Man kann sich in einer schwierigen Situation gezielt fragen, wie diese aussehen würde, wenn man sie mit Humor betrachtet. Investiere in ein positives, ehrliches und unterstützendes Umfeld und lerne Achtsamkeit.   

Wie gehst du mit negativen Gedanken während des Übens um?  (Typisches „Heute klappt gar nichts.“)

Ich mache mir klar, dass ich kein Roboter bin. Es ist ok, dass meine Leistungen daher in Abhängigkeit der Tagesform schwanken können. Da ich achtsam bin, versuche ich den Gedanken „Heute klappt gar nichts“ und den Frust darüber nur zu registrieren. Mit einem Fokus auf die Gegenwart versuche ich nicht in diese Abwärts-Grübel-Selbstabwertungsspirale zu geraten.

Praktisch würde ich mir eine Pause gönnen und etwas machen, was mir einfach „nur“ Freude und Spaß bringt z.B. Tanzen und mich voll darauf konzentrieren. Danach probiere ich es nochmal mit dem Üben. 

Sind Musiker*innen gefährdeter für psychische Probleme, Barbara Barth?

“Ich glaube wir als Musiker*innen kommen nie nach Hause. Wir sind immer mit unserer Musik und unserem Instrument verbunden. Das lässt sich nur schwerlich trennen. Als Musiker*in erlebt man eine musikalische Niederlage auch immer als eine persönliche.”

Das ganze Interview lesen…

Hat sich der Druck auf junge Musiker*innen durch die sozialen Netzwerke erhöht oder überwiegen weiter die Vorteile?

Es gibt Risiken, die mit der übermäßigen und unreflektierten Nutzung von sozialen Medien zusammenhängen. Die Stimmung sinkt bis hin zu einer erhöhten Wahrscheinlichkeit für Depressionen. Durch die ständigen (unrealistischen) Vergleiche sinkt der Selbstwert. Sogar die Beziehung zum eigenen Körper kann sich verändern.

Auf der anderen Seite sind soziale Medien momentan das unmittelbarste Marketing Tool von Musiker*innen. Bei einem bewussten Umgang (z.B. Limitierung der Zeit in sozialen Medien, Erhalt eines sozialen Netzwerks im realen Leben / klare Social Media Strategie / Wie will ich mit Hasskommentaren umgehen?) überwiegen aus meiner Sicht aktuell die Vorteile. 

Was wäre dein Rat gegen zu viel Perfektionismus?

Sich zuerst bewusstmachen, was genau meine Erwartung an mich selber ist und warum ich das ändern will. Ist die Erwartung z.B. ich muss immer 120% geben, dann würde ich mir gezielt Situationen in meinem Alltag suchen, wo ich mich traue mal „nur“ 100% zu geben und achtsam die Folgen beobachten. Passiert das, was ich befürchte (andere mögen mich nicht mehr, halten mich für schlampig etc.)? Diese Experimente sehr oft wiederholen, am besten aufschreiben und evtl. das Ganze sogar auch mit 80% probieren.

Kann starkes Lampenfieber vor Auftritten schon ein Indiz für ein psychisches Problem sein?

Lampenfieber und Auftrittsangst bilden ein Kontinuum bei dem Aufrittsangst eine sehr extreme Ausprägung ist (mit massiven körperlichen Symptomen, Vermeidungsverhalten etc.). Das alleinige Auftreten von Lampenfieber führt nicht zwangsläufig zu einer Auftrittsangst – es kommt aber darauf an, wie mit dem Lampenfieber umgegangen wird.

Wird das Lampenfieber zunehmend als negativ bewertet und führt es zu tatsächlichen negativen Auftrittserfahrungen, kann sich mit der Zeit schon eine Auftrittsangst aufbauen. Allerdings kann man einen guten Umgang mit Lampenfieber – auch mit starken Lampenfieber – lernen, so dass es sich nicht zu Auftrittsangst entwickelt.

Die letzte Frage wurde durch Melissa Salinas beantwortet (https://www.melissa-salinas.de/).

food for thoughts – Empfehlungen

Wie geht S.M.A.R.T. üben?

Motivation: „Fähig ist, wer viel dazulernt.“